La Copa Mundial de la FIFA 2026™ no solo representa un acontecimiento deportivo histórico por ser el primero organizado por tres países —México, Estados Unidos y Canadá—, sino también un ejercicio profundamente interesante desde el diseño: una construcción visual que articula identidad, cultura y significado compartido.

Por primera vez, el póster oficial no responde a una sola mirada creativa, sino a la colaboración de tres artistas: Minerva GM, Carson Ting y Hank Willis Thomas. Esta decisión no es casual; es una declaración conceptual. El diseño deja de ser autoral para convertirse en un discurso colectivo.

Glocalización: cuando lo global se construye desde lo local

Uno de los aspectos más relevantes del póster oficial de la Copa Mundial FIFA 2026™ es su lectura desde la glocalización, entendida como la construcción de lo global a partir de lo local.

En lugar de homogenizar identidades, la propuesta las integra. Cada país no se diluye en una narrativa común, sino que proyecta su propia esencia dentro de un sistema visual compartido.

México aporta una carga simbólica rica en tradición y narrativa cultural; Estados Unidos introduce una visión contemporánea, conceptual y mediática; mientras que Canadá equilibra la composición desde la síntesis gráfica y la claridad visual.

El resultado no es una mezcla uniforme, sino una coexistencia visual donde cada lenguaje mantiene su identidad, pero dialoga con los demás.

Tres miradas, una sola narrativa

Esta lógica de integración se materializa en una decisión sin precedentes: por primera vez, el póster oficial de una Copa Mundial es resultado de la colaboración entre tres artistas de distintos contextos culturales.

Más que una suma de estilos, la obra funciona como un discurso colectivo, donde cada autor aporta una perspectiva que amplía el significado de la pieza.

Minerva GM (México)
Su trabajo destaca por una fuerte carga simbólica y narrativa. Integra elementos de la cultura popular, la tradición y el color como vehículo de identidad, construyendo imágenes que conectan con la memoria y lo emocional. Su aportación al póster refuerza la dimensión cultural y sensorial de la propuesta.

Carson Ting (Canadá)
Con una trayectoria sólida en diseño y dirección de arte, su lenguaje visual se caracteriza por la síntesis, la claridad y una estética contemporánea. Su enfoque aporta estructura y equilibrio, facilitando la lectura visual dentro de una composición compleja.

Hank Willis Thomas (Estados Unidos)
Desde el arte conceptual, su obra aborda temas como identidad, medios y cultura. Su participación introduce una capa crítica que trasciende lo estético, conectando la imagen con discursos sociales y culturales más amplios.

Identidad distribuida: de un póster a múltiples narrativas

La propuesta visual de FIFA 2026 rompe con la idea tradicional de una identidad única y centralizada, apostando por una identidad distribuida, donde cada ciudad sede interpreta el Mundial desde su propio contexto cultural.

Este enfoque no fragmenta la marca, la enriquece. Demuestra que una identidad global puede coexistir con múltiples narrativas locales, siempre que exista un sistema conceptual sólido que las articule. En este sentido, el diseño se posiciona como un lenguaje universal: no solo comunica un evento, sino que construye una experiencia simbólica donde distintas culturas dialogan sin perder su voz.

El uso del color refuerza esta lógica al funcionar como un sistema semiótico:
🔴 rojo, 🔵 azul y 🟢 verde no solo representan a Canadá, Estados Unidos y México, sino que evocan emociones, valores y percepciones culturales específicas. Así, el diseño no solo se ve, se interpreta.

En un contexto global donde las marcas buscan conectar con audiencias diversas, este proyecto se vuelve referente al lograr integrar sin borrar, representar sin simplificar y comunicar sin imponer.

Porque cuando el diseño se construye desde lo colectivo, deja de ser una pieza aislada…
y se convierte en una narrativa compartida.

Una narrativa que no solo suma perspectivas, sino que las articula, las pone en diálogo y las transforma en un sistema de significado más amplio. En este proceso, el diseño deja de imponer una sola visión para abrir espacio a múltiples interpretaciones, enriqueciendo la experiencia y fortaleciendo la conexión con audiencias diversas.

Articular narrativas compartidas implica entender que diseñar no es únicamente resolver problemas visuales, sino construir puentes entre culturas, contextos y formas de percibir el mundo. Es reconocer que el valor del diseño también está en su capacidad de integrar, representar y dar sentido.

Desde y para el diseño, este enfoque nos invita a replantear nuestro rol: ya no como autores únicos, sino como mediadores de experiencias colectivas. Porque en un mundo interconectado, las ideas más potentes no son las que se imponen, sino las que logran ser compartidas, interpretadas y apropiadas por otros. Y es ahí donde el diseño alcanza su mayor relevancia: cuando deja de ser individual… y se convierte en un lenguaje común.

Crédito de imágenes:
https://store.fifa.com/es-us/world-cup/2026-world-cup/posters

No nos interesa hablar de Frankenstein de Guillermo del Toro como “críticos de cine”. No nos toca. Pero sí nos interesa mirarla desde donde habitamos: la semiótica, el diseño, la narrativa y ese gusto casi obsesivo por ver cómo un texto está hecho de otros textos.

En Frankenstein y el cirujano plástico. Una guía multimedia de semiótica de la publicidad (Rodríguez & Mora, 2002), se dice que Frankenstein es una de las metáforas más potentes del arte del bricolaje: un cuerpo armado con pedazos ajenos, cosido con restos de otros cuerpos, animado por una chispa nueva. Así funciona también la publicidad —y, en realidad, casi todo el audiovisual contemporáneo—: mezcla códigos, géneros, estilos y referencias de la cultura hasta formar algo que, si bien está hecho de citas, respira con vida propia.

Guillermo del Toro hace exactamente eso con su Frankenstein: levanta, una vez más, al monstruo del laboratorio, pero esta vez lo arma no solo con órganos y tornillos, sino con capas de cine, literatura, pintura, teología, ciencia y memoria cinéfila. Es un Frankenstein hecho de otros Frankensteins.

Roland Barthes decía que todo texto es un intertexto, “un tejido nuevo de citas anteriores”. Del Toro parece partir justamente de ahí: su criatura no está hecha solo de Mary Shelley, sino también de la tradición gótica, del cine clásico de monstruos, de la Serie B, del cómic, de la cultura pop e incluso de nuestra sensibilidad contemporánea ante la ciencia y la ética. Vemos al monstruo, pero también vemos a todos los monstruos que lo preceden.

Eco, Barthes, Kristeva, Bajtín… todos coinciden en algo: ningún texto nace solo. Y Del Toro lo sabe. Por eso su Frankenstein no pretende ser “definitivo”, sino dialógico: conversa con versiones anteriores, las honra, las desmonta, las cita, las contradice. Es bricolaje en el sentido más puro: recolección, montaje y re-significación.

Desde el diseño y la narrativa visual, esto se nota en decisiones muy concretas:

• El tratamiento de la luz y el color, que evoca el cine clásico pero con una sensibilidad contemporánea.

• La dirección de arte, que parece un archivo vivo de referencias góticas, médicas, religiosas y científicas.

• La forma en que la cámara acompaña al monstruo no como “otro absoluto”, sino como un sujeto que mira y es mirado, casi como si el espectador fuera también parte del experimento.

Y mientras todo esto sucede en el plano estético, hay una discusión de fondo que Del Toro no suelta: ¿qué nos hace humanos? ¿Qué hace humano a un cuerpo hecho de retazos? Esa pregunta, que ya estaba en Shelley, se reactiva hoy en un contexto donde hablamos de algoritmos, modelos generativos y “creatividad” artificial.

Ahí entra otra capa de este texto: la postura de Del Toro frente a la inteligencia artificial. Él lo ha dicho con una claridad brutal:

“Mi preocupación no es la inteligencia artificial, sino la estupidez natural.”

y también:

“El arte no sólo es necesario, es urgente. Y que se vaya a la mierda la IA.”

Lo que está defendiendo no es un romanticismo ingenuo del “artista genio”, sino algo mucho más concreto: el arte como espacio de experiencia humana irreductible, donde el error, la emoción, el tiempo, el gesto y el cuerpo importan. Para Del Toro, la IA puede ser herramienta, sí, pero no puede reemplazar la ética, la mirada ni la sensibilidad que implica crear algo que hable de lo monstruoso y lo frágil en nosotros.

En sus películas, los efectos digitales aparecen cuando no hay otra opción física, no como atajo creativo. Y eso dialoga perfecto con la metáfora de Frankenstein: no se trata de generar un cuerpo “perfecto”, sino de asumir la monstruosidad como espejo de lo humano. La IA, en cambio, tiende a pulir, a promediar, a homogeneizar; Del Toro insiste en lo contrario: en la cicatriz, en la costura visible, en el parche que revela que ahí hubo un corte.

No somos expertos en cine —y no tenemos por qué serlo—, pero sí tenemos una sensibilidad entrenada en la semiótica, el diseño y las narrativas multimedia. Y desde ahí, es imposible no admirar una obra que, como ésta, se comporta como intertexto vivo: cita, mezcla, digiere y devuelve un monstruo nuevo, hecho de todos los monstruos anteriores… y también de nosotros.

Tal vez por eso Frankenstein sigue siendo una figura tan poderosa: porque nos recuerda que toda obra es, en el fondo, un cuerpo armado de retazos ajenos. Y que lo verdaderamente humano no está en la pureza del origen, sino en la forma en que damos vida a lo que recombinamos: con criterio, con responsabilidad, con amor y, sí, con la conciencia de que el arte sigue siendo urgente, incluso —o sobre todo— en tiempos de apps que prometen “crear” por nosotros.

Desde junio de 2025, la accesibilidad dejó de ser un “nice to have” en Europa para convertirse en una obligación real. Si tu producto digital llega a usuarios de la Unión Europea —aunque tu empresa esté fuera—, necesitas que tu web o tu app puedan usarse por todas las personas. La forma práctica de lograrlo no requiere memorizar leyes: basta con orientar el trabajo a WCAG 2.2 nivel AA, el “lenguaje común” entre equipos de diseño, contenido y desarrollo.

Pero espera, ¿qué es WCAG 2.2 nivel AA? Es el estándar práctico que la mayoría de sitios y apps usan para asegurar accesibilidad.

WCAG = Web Content Accessibility Guidelines: pautas del W3C que explican cómo hacer contenidos digitales utilizables por todas las personas (incluidas personas con discapacidad).
2.2 = versión más reciente de la serie “2.x”, que añade criterios frente a 2.1 (p. ej., tamaño mínimo de objetivos táctiles, foco visible no oculto, autenticación accesible, evitar pedir datos redundantes, ayuda consistente).
Nivel AA = nivel de conformidad recomendado (intermedio):

• A: lo mínimo indispensable.
• AA: equilibrio entre exigencia y viabilidad (lo que piden gobiernos y muchas empresas).
• AAA: el más estricto; no siempre aplicable.

En términos simples, debes considerar: legibilidad y contraste adecuados; navegación con teclado y foco siempre visible; botones y enlaces cómodos de pulsar en móvil (tamaño/espaciado suficiente); formularios claros, con etiquetas y mensajes de error útiles (sin repetir datos); texto alternativo en imágenes informativas y subtítulos/transcripciones en audio/video; ayuda/soporte en un lugar consistente; y semántica correcta (roles/labels/encabezados) para lectores de pantalla.

¿Por qué importa? Mejora la experiencia para todos, reduce fricción cognitiva (y quejas), aumenta conversión y ayuda a cumplir requisitos de clientes y regulaciones (en la UE y cada vez más en licitaciones globales).

Básicamente, cuando hablamos de hacer accesible una interfaz, hablamos de algo concreto: que el texto se lea bien, que el contraste no canse la vista y que nadie tenga que pellizcar la pantalla para ampliar lo esencial; que el teclado baste para recorrer cada módulo y que el foco se vea siempre, sin perderse bajo barras fijas o modales; que los botones sean cómodos de pulsar en el teléfono; que los formularios expliquen con claridad qué piden, por qué lo piden y cómo corregir un error sin repetir información que el sistema ya conoce. Incluso el inicio de sesión cuenta: si la única forma de entrar exige recordar datos innecesarios, no es una buena puerta de entrada para nadie.

En México esto también importa, y no solo por seguir tendencias globales. Cualquier marca que quiera vender más necesita hablarle a más personas. Las hay con discapacidad permanente, pero también con limitaciones temporales: alguien con visión cansada después de un turno largo, alguien con una mano ocupada, alguien que aprende español como segunda lengua. Cuando simplificas el lenguaje, clarificas jerarquías y haces que un botón sea evidente al tacto, mejoras la experiencia de todos. Además, muchos clientes corporativos —maquiladoras, bancos, cadenas de retail— ya exigen el cumplimiento de WCAG en sus licitaciones. Estar listo no solo evita retrabajos: abre puertas.

La accesibilidad no es un obstáculo creativo ni una camisa de fuerza legal. Es una oportunidad para contar mejor lo que haces, llegar más lejos y dejar a tus usuarios con la sensación de que, por fin, alguien pensó en ellos. Si hoy das ese primer paso —por pequeño que sea— ya estarás más cerca de una experiencia justa, clara y eficiente para todos.

Las Pautas de Accesibilidad para el Contenido Web se organizan en cuatro principios que indican cómo debe ser el contenido:
Perceptible (información e interfaz que se pueden percibir); Operable (navegación y controles usables); Comprensible (contenido y funcionamiento claros y previsibles); y Robusto (compatible con navegadores y tecnologías de asistencia, con estructura semántica y ARIA bien aplicada).

Si quieres empezar hoy sin complicarte, descarga nuestro Checklist simple — WCAG 2.2: es editable y práctico para revisiones rápidas entre diseño, contenido y desarrollo; te guía por contraste, foco visible, objetivos táctiles, formularios y contenido alternativo.

AVEX Taller Creativo está para apoyarte: desde auditorías exprés hasta capacitación y ajuste de tu design system para que la accesibilidad sea parte natural de tu proceso.

Los cuatro principios (Perceptible, Operable, Comprensible y Robusto—POUR) son propuestos por el World Wide Web Consortium (W3C) a través de su Web Accessibility Initiative (WAI) en las Pautas de Accesibilidad para el Contenido Web (WCAG).

En la era de la conciencia ambiental, ser una marca verde ya no es opcional: es un diferenciador clave. Pero no todas las empresas lo hacen con transparencia. Ahí aparece el greenwashing, una práctica en la que las compañías exageran o inventan sus esfuerzos de sostenibilidad para ganar puntos con consumidores responsables.

Como creativos, estrategas y marcas, necesitamos reconocer estas señales y evitar caer en lo mismo. Para ejemplificarte, aquí te dejamos marcas con las que seguramente has interactuado:

McDonald’s (2009 en Europa): la empresa cambió su logotipo a verde para proyectar una imagen eco-friendly. Sin embargo, sus operaciones seguían dependiendo de prácticas agrícolas intensivas que cuestionaban esa supuesta transformación sostenible.

Volkswagen (septiembre de 2015, caso “Dieselgate”): la Agencia de Protección Ambiental (EPA) descubrió que la compañía había instalado software fraudulento en millones de vehículos para manipular las pruebas de emisiones y presentarlos como “limpios”.

Walmart y Kohl’s (2022, sanción de la Comisión Federal de Comercio de EE.UU.): ambas cadenas fueron multadas por vender ropa y productos de cama como fabricados con “bambú ecológico”, cuando en realidad eran rayón, producido con químicos tóxicos.

DWS (2021, investigación regulatoria en Alemania y EE.UU.): la gestora de Deutsche Bank fue acusada de exagerar el volumen de fondos ESG “verdes” bajo su administración, sin contar con mecanismos de control adecuados.

Saudi Aramco (2021 en adelante): promocionó programas de plantación de manglares como muestra de compromiso ambiental, mientras mantenía y expandía sus operaciones principales en combustibles fósiles.

Coca-Cola (2020–2023, varias campañas globales): lanzó iniciativas para reducir el uso de plásticos de un solo uso, pero fue criticada por no abordar la huella total de emisiones de su producción y distribución.

Apple (reportes críticos 2019–2022): analistas y ONGs señalaron que, aunque la empresa promovía compromisos de reciclaje y energías limpias, sus claims no siempre correspondían a toda la cadena de suministro.

Lufthansa (2022, campaña “Fly CO₂ Neutral”): la aerolínea fue cuestionada por promocionar opciones de compensación de emisiones que daban la impresión de vuelos “neutrales”, sin un impacto real equivalente en reducción de gases contaminantes.

Estos casos muestran que una campaña de comunicación no siempre refleja un impacto real.

El reto para creativos y marcas

En un entorno donde la industria convive con startups, comercios, restaurantes y proyectos culturales, la sustentabilidad auténtica representa una ventaja competitiva enorme. Sin embargo, también implica un reto: ¿cómo comunicar compromisos reales sin caer en falsas promesas?. Aquí es donde entra nuestro rol como creativos: traducir acciones concretas en narrativas claras, transparentes y con propósito.

Recomendaciones para evitar el greenwashing

La transparencia es un punto muy importante; habla de lo que haces y de lo que aún no logras. Reconocer áreas de mejora genera más confianza que maquillar cifras.

Hay que dar evidencias claras, un ejemplo pueden ser las certificaciones, métricas o testimonios que respalden tus claims. No basta con “somos verdes”, demuestra cómo.

Acciones integrales, no cosméticas, porque cambiar el color del logo a verde no es sostenibilidad. Piensa en impacto real: reducción de residuos, energía limpia, cadenas de suministro locales.

Evita frases vacías como “100% natural”, “amigable con el planeta” o “eco-friendly” no dicen nada si no tienen un respaldo tangible.

Sé honesto con los costos, porque la sostenibilidad real implica inversión. Explicar a los clientes por qué tu producto cuesta un poco más puede convertirse en parte de tu storytelling.

El greenwashing erosiona la confianza, pero la sustentabilidad honesta crea comunidades leales y marcas memorables. Desde la frontera, tenemos la oportunidad de inspirar con proyectos auténticos que no solo cuenten historias verdes, sino que generen impacto real.

Como creativos en AVEX, el reto no es hacer ver que las marcas son sostenibles, sino ayudarlas a serlo de verdad y comunicarlo con integridad.

¿Alguna vez abriste Google y te sorprendió ver que su logotipo cambió para celebrar un evento, personaje o fecha especial? Esos divertidos y creativos cambios se llaman Google Doodles, y hoy forman parte esencial de la experiencia de búsqueda.

¿Qué es un Google Doodle?

Los Doodles de Google son versiones especiales del famoso logotipo que conmemoran festividades, aniversarios, figuras históricas y culturales, o incluso sucesos locales de gran relevancia. Pueden presentarse en distintos formatos: ilustraciones estáticas, animaciones, videos, presentaciones y hasta juegos interactivos que han conquistado a millones de usuarios en todo el mundo.

Desde su creación hace más de 25 años, se han convertido en un símbolo de cómo la creatividad y la tecnología pueden unirse para contar historias y conectar culturas.

El primer Doodle: un simple aviso fuera de oficina

En 1998, los fundadores de Google, Larry Page y Sergey Brin, asistieron al festival Burning Man en Nevada. Como no estarían en la oficina, decidieron dejar un aviso muy peculiar: reemplazaron la segunda “O” de Google con el logo del festival. Sin saberlo, dieron origen al primer Google Doodle, incluso antes de que la empresa fuera oficialmente constituida.

De un experimento a un fenómeno cultural

A lo largo de los años, Google ha creado más de 5,000 Doodles que celebran momentos únicos. Algunos hitos memorables:

• 2000: Primer Doodle internacional para el Día de la Bastilla en Francia.

• 2000: Primer Doodle animado en Halloween, con calabazas y luces intermitentes.


• 2005: Nace el concurso “Doodle para Google”, donde estudiantes de todo el mundo pueden diseñar su propio Doodle.

• 2010: Llega el primer Doodle interactivo, dedicado a Pac-Man.

• 2011: Aparece el primer Doodle en video, un homenaje a Charlie Chaplin.


• 2012: Doodle multimedia para el Día de la Tierra, creado con imágenes en vivo desde el techo de Google.


• 2018: Primer Doodle en realidad virtual 360°, dedicado a Georges Méliès.


• 2019: Primer Doodle con inteligencia artificial, inspirado en la música de Johann Sebastian Bach.


• 2021: El Doodle multijugador más grande hasta la fecha, “Champion Island”, que conectó a usuarios de todo el mundo en un mismo universo de minijuegos.


Detrás de cada Doodle existe un equipo creativo formado por artistas, ingenieros, diseñadores, gestores y consultores culturales, conocidos como los “Doodlers”. Ellos trabajan junto a ilustradores invitados de distintas partes del mundo para asegurar que cada pieza refleje con autenticidad la cultura y la historia que celebra.

Los temas no se eligen al azar: cada año, un comité de Google revisa miles de propuestas enviadas tanto por empleados como por usuarios. Tras un proceso de investigación y consulta con expertos locales y culturales, se define una lista que dará vida a cientos de Doodles en todo el planeta. El tiempo de creación varía, algunos se producen en cuestión de horas, mientras que otros requieren meses o incluso años de desarrollo, sobre todo cuando se trata de experiencias animadas o interactivas.

Lo mejor es que cualquier persona puede enviar su idea para un futuro Doodle. Así, lo que empezó como un simple aviso fuera de oficina se ha convertido en una tradición digital global que celebra la creatividad, la historia y la diversidad cultural.

Un Doodle muy mexicano: Juan Gabriel

Entre las figuras homenajeadas, también está el icónico cantautor mexicano Juan Gabriel, quien escribió más de 1,500 canciones a lo largo de su carrera. Su video Doodle lo muestra actuando en un escenario acompañado de un mariachi, ilustrado por el artista invitado yucateco Beto Irigoyen. Una celebración que reconoce su enorme legado musical y lo comparte con millones de personas en todo el mundo.

Conoce más sobre este Doodle aquí: Celebrating Juan Gabriel

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Fuente: doodles.google

Las marcas, como las personas, evolucionan. No basta con quedarse en la primera impresión: la identidad debe crecer, madurar y adaptarse al contexto. Hoy Grupo LALA se suma a la ola de marcas valientes que buscan mejorar la experiencia digital y conectar con nuevas generaciones, entendiendo que la imagen también caduca si no refleja la esencia actual.

El nuevo rebranding fue desarrollado por Conciergency, una agencia boutique con sede en Barcelona y presencia en París, reconocida por colaborar con marcas globales de prestigio como Evian y Danone. La propuesta introduce un logotipo en doble línea que refuerza la visibilidad y la presencia de la marca, manteniendo a la icónica mariposa como símbolo central.

Este rediseño apuesta por un lenguaje visual más moderno y emocional, diseñado para conectar con nuevas audiencias sin perder los valores que han acompañado a LALA por más de 75 años: la naturalidad, lo auténtico y el compromiso con la calidad.

El nombre Lala también cuenta una historia interesante: surgió como abreviatura popular de Leches La Laguna de Torreón, Coahuila. Los consumidores comenzaron a usarlo como un apodo fácil de recordar, hasta que terminó convirtiéndose en el nombre oficial de la marca. Una prueba de cómo la voz de los usuarios puede moldear la identidad de una empresa.

En el ámbito del diseño, vale la pena recordar que tendencias como el esqueumorfismo dominaron las primeras interfaces digitales al recrear objetos físicos en el entorno virtual para facilitar su comprensión (Don Norman, 2013). Con el tiempo, esta lógica fue desplazada por el flat design, más limpio y funcional, y hoy las marcas buscan diseños responsivos y experiencias digitales integrales que se adapten a múltiples formatos y pantallas. El rebranding de LALA responde a este contexto: una identidad visual flexible, pensada para un consumidor que vive en entornos digitales y exige claridad y consistencia en cada punto de contacto.

Este rebranding tampoco ocurre en aislamiento: se alinea con la estrategia de sustentabilidad y responsabilidad social de la compañía —reducción de empaques, transición energética, bienestar animal, nutrición infantil y más—, reafirmando que una identidad visual debe dialogar con la identidad corporativa completa.

La esencia de la marca sigue anclada en la leche como alimento esencial, el campo, la frescura y la cercanía. Pero ahora se proyecta con mayor fuerza, visibilidad y orgullo. Como lo resume su directora de marketing, Claudia Reyes: “Seguimos siendo LALA, pero más LALA que nunca”.

Entonces, la pregunta es inevitable: ¿Qué opinas de este rediseño de LALA? ¿Tu marca sigue representando quién eres realmente?

En AVEX Taller Creativo somos expertos en identidad corporativa. Te ayudamos a replantear, actualizar o reinventar la imagen de tu marca para que tu comunicación visual sea tan fuerte como tu visión de negocio.