La camiseta de Belgium National Football Team para el Mundial 2026 es, probablemente, uno de los ejercicios de intertextualidad visual más interesantes que hemos visto recientemente en el diseño deportivo. Y sí, nos encanta.

No solamente porque convierte una pieza de indumentaria en un soporte cultural, sino porque demuestra algo que desde el diseño resulta fascinante: los significados pueden desplazarse, reinterpretarse y adquirir nuevas lecturas cuando cambiamos el contexto en el que aparecen.

La propuesta toma como punto de partida el universo surrealista de René Magritte, uno de los artistas más reconocibles del arte belga. Pero hay algo importante aquí: el diseño no se limita a reproducir una obra sobre una camiseta. La cita. La interpreta. La traslada.

Desde la semiótica y los estudios del discurso podemos hablar de intertextualidad, es decir, de las relaciones que un texto establece con otros textos anteriores. En diseño, esta lógica puede trasladarse a los sistemas visuales: una forma, una imagen, una frase o incluso una composición pueden activar referencias culturales previamente instaladas en la memoria del receptor.

Los patrones circulares de la camiseta, inspirados en La voix des airs —La voz del espacio—, funcionan precisamente bajo esta lógica. Los elementos visuales asociados al universo pictórico de Magritte abandonan momentáneamente el museo y son trasladados a un escenario completamente distinto: el fútbol.

Y es ahí donde el significado comienza a transformarse. Los círculos ya no conviven únicamente dentro de una composición surrealista. Ahora aparecen junto al escudo, el uniforme, el cuerpo del jugador, la selección nacional y toda la carga simbólica de una competencia deportiva internacional. El significado original no desaparece; se expande al entrar en contacto con nuevos signos.

Uno de los detalles conceptualmente más interesantes aparece en el cuello de la camiseta, donde puede leerse: —This is not a jersey— Esto no es un jersey. La frase establece un intertexto directo con La traición de las imágenes y su célebre inscripción “Ceci n’est pas une pipe” —“Esto no es una pipa”—. En aquella obra, Magritte cuestionaba la relación entre el objeto, su representación y el signo utilizado para nombrarlo. La imagen de una pipa no es una pipa; es su representación. Décadas después, ese mismo código conceptual es trasladado hacia un objeto completamente distinto.

Porque, dentro de esta narrativa visual, la camiseta deja de funcionar únicamente como indumentaria deportiva. Se convierte en soporte discursivo, símbolo de identidad nacional y dispositivo de comunicación cultural. El diseño toma un significado previamente reconocido, lo extrae de su escenario original y lo inserta en uno nuevo. Desde la semiótica podemos entender este proceso como una resignificación del signo: el código permanece reconocible, pero su interpretación se modifica a partir del contexto en el que ahora aparece.

También me parece especialmente interesante la manera en que esta propuesta aborda la identidad cultural. Cuando hablamos de identidad desde el diseño solemos pensar inmediatamente en logotipos, tipografías, colores o sistemas gráficos. Sin embargo, la identidad también puede construirse desde la memoria colectiva, las referencias compartidas y los códigos culturales.

Bélgica no eligió simplemente una referencia visual estéticamente atractiva. Eligió a un artista profundamente vinculado con su patrimonio cultural y convirtió parte de su lenguaje visual en un elemento contemporáneo de representación nacional. No fue necesario saturar la camiseta de banderas o símbolos patrios evidentes. La referencia cultural también funciona como signo de identidad.

Quizá por eso la camiseta ha generado tanto interés entre aficionados, diseñadores y críticos especializados. Hay algo particularmente atractivo en los diseños que permiten descubrir diferentes capas de significado. Primero vemos una camiseta. Después identificamos un patrón. Descubrimos una frase. Reconocemos una referencia. Relacionamos a Magritte y, finalmente, comprendemos el concepto. Cada nueva capa recompensa la interpretación del receptor y transforma la experiencia visual.

La camiseta de Bélgica para el Mundial 2026 demuestra que el diseño puede trasladar significados entre disciplinas aparentemente distantes: del surrealismo al deporte, del museo al estadio y de la pintura a la indumentaria. En ocasiones, el ejercicio creativo está en comprender los códigos que ya existen, reconocer toda la carga cultural que contienen y encontrar nuevos escenarios en los que puedan volver a significar.

Cuando pensamos en una marca exitosa, solemos enfocarnos en aspectos como el logo, los colores, la tipografía o el nombre. Sin embargo, existe un fenómeno neurocognitivo fascinante que demuestra que nuestro cerebro establece conexiones mucho antes de que seamos conscientes de ellas: el efecto Bouba-Kiki.

Este fenómeno, estudiado por psicólogos y neurocientíficos durante décadas, revela que las personas tienden a asociar ciertos sonidos con determinadas formas de manera casi universal.

¿Qué es el efecto Bouba-Kiki?

En un experimento clásico, se presentan dos figuras: una con formas suaves y redondeadas, y otra con picos y ángulos pronunciados. Después, se pregunta cuál de ellas se llama “Bouba” y cuál “Kiki”. Sorprendentemente, alrededor del 95% de las personas responde de la misma manera:

• Bouba se asocia con la figura redondeada.
• Kiki se relaciona con la figura puntiaguda.

Lo interesante es que estas palabras son inventadas y carecen de significado previo. Aun así, nuestro cerebro encuentra una conexión inmediata entre el sonido y la forma.

¿Por qué ocurre?

Los investigadores creen que nuestro cerebro busca constantemente patrones y coherencia entre diferentes estímulos sensoriales. Los sonidos suaves, vocales abiertas y consonantes menos agresivas generan una sensación de fluidez y cercanía, similar a las curvas y formas orgánicas. Por otro lado, sonidos cortos, explosivos o más “afilados” evocan sensaciones de energía, velocidad, precisión o tensión, características que asociamos con formas angulosas.

En otras palabras, existe una relación natural entre lo que escuchamos y lo que vemos.

Nuestro cerebro genera asociaciones automáticas entre sonidos, formas y emociones sin que seamos conscientes del proceso. Por ello, una marca puede generar cercanía o dinamismo incluso antes de que el consumidor conozca sus productos o servicios.

¿Qué tiene que ver esto con el branding?

Mucho más de lo que parece. Cada decisión de diseño transmite emociones antes de que una persona lea una descripción, visite una página web o pruebe un producto. Por ejemplo: Marcas con personalidad cercana y amigable, suelen utilizar:

• Formas redondeadas.
• Colores suaves.
• Tipografías orgánicas.
• Nombres con sonidos fluidos.
• Buscan transmitir confianza, accesibilidad y calidez.

Marcas enfocadas en innovación y tecnología frecuentemente utilizan:

• Líneas rectas y geometría definida.
• Contrastes más marcados.
• Tipografías modernas.
• Nombres con sonidos más cortantes y enérgicos.
• Buscan comunicar precisión, velocidad y rendimiento.

Kandinsky sostenía que las formas geométricas generan respuestas emocionales específicas. Décadas antes de que se popularizara el efecto Bouba-Kiki, ya planteaba que los círculos transmiten suavidad y armonía, mientras que los ángulos evocan tensión y energía.

El diseño no solo se ve, también se siente

Uno de los errores más comunes al construir una marca es pensar únicamente en la estética. Un logo atractivo puede no generar conexión si su forma contradice la personalidad que la empresa desea transmitir. Por ejemplo, una marca enfocada en bienestar podría generar una percepción contradictoria si utiliza elementos excesivamente agresivos o rígidos. ¡Las mejores identidades visuales logran que nombre, forma, color y mensaje trabajen en armonía!.

Las grandes marcas no solo buscan verse bien. Buscan ser comprendidas de forma inmediata. Cuando el nombre de una marca, su logo y su identidad visual hablan el mismo lenguaje emocional, la recordación aumenta y la experiencia se vuelve más coherente para el usuario.

El efecto Bouba-Kiki nos recuerda que las decisiones de diseño no son arbitrarias. Detrás de cada curva, cada ángulo y cada sonido existe una respuesta psicológica que influye en la percepción de una marca.

Diseñar para conectar

En AVEX Taller Creativo creemos que una marca efectiva nace de la combinación entre estrategia, diseño y comprensión del comportamiento humano. Porque un buen diseño no solo comunica quién eres, comunica cómo quieres que las personas se sientan cuando te encuentran.

Desde nuestra división AVEX Entertainment, nos encontramos realizando la coordinación y desarrollo de la gira en México de La Santa Cecilia, mientras que desde AVEX Taller Creativo trabajamos en la adaptación, ajuste y dirección visual de las piezas gráficas correspondientes a esta etapa del tour.

Para nosotros, este tipo de proyectos representan la unión entre entretenimiento, producción y diseño estratégico, donde cada elemento visual debe conectar con la esencia artística de la banda y con la experiencia emocional del público.

Un diseño que se siente como canción

El cartel de “Los Años México Tour 2026” transmite inmediatamente una vibra retro, cálida y profundamente latina. No se trata únicamente de promocionar un concierto; se trata de representar visualmente el universo emocional de la banda.

La composición apuesta por:

• una estética inspirada en los años 60 y 70,
• referencias visuales al folclor mexicano y chicano,
• una paleta cromática cálida y nostálgica,
• y una tipografía orgánica con personalidad artesanal.

La elección de un rosa intenso sobre un fondo arena genera una sensación visual vibrante y emocional al mismo tiempo. El contraste transmite fiesta, identidad, nostalgia y cercanía.

La tipografía como extensión de la música

Uno de los elementos más potentes del arte es la tipografía principal. Sus formas curvas, pesadas y fluidas evocan:

• carteles vintage,
• cultura popular mexicana,
• discos clásicos,
• rotulación artesanal,
• y referencias del movimiento visual chicano en Estados Unidos.

La tipografía se comporta como parte de la experiencia musical. Tiene ritmo, movimiento y carácter.

En proyectos de entretenimiento, este tipo de decisiones visuales ayudan a construir una identidad memorable antes incluso de escuchar una sola canción.

Folclor contemporáneo e identidad cultural

La Santa Cecilia ha construido una identidad artística que mezcla tradición y contemporaneidad de manera muy natural. Visualmente, el cartel busca reflejar exactamente esa mezcla cultural. Y en su música conviven:

• cumbia,
• bolero,
• ranchera,
• rock,
• jazz,
• folk latino,
• y sonidos modernos.

La presencia escénica de Marisol “La Marisoul”, junto con el styling, la composición y el lenguaje gráfico, generan una estética que se siente auténtica, humana y profundamente conectada con sus raíces.

Diseño estratégico para entretenimiento

En AVEX Taller Creativo entendemos el diseño para conciertos y giras como una herramienta capaz de generar emoción, construir expectativa y fortalecer la conexión cultural entre el artista y su público. Cada pieza visual debe transmitir identidad, energía y narrativa, convirtiéndose en una extensión de la experiencia musical incluso antes de que comience el concierto:

• conservar identidad visual,
• respetar lineamientos artísticos,
• optimizar formatos digitales e impresos,
• y mantener coherencia entre venues, ciudades y campañas publicitarias.

Cuando diseño y música trabajan juntos correctamente, la experiencia comienza mucho antes de entrar al concierto.

Ciudad Juárez recibirá “Los Años México Tour 2026”

Como parte de esta experiencia, AVEX Entertainment participa en la realización de una parte de la gira “Los Años México Tour 2026”, colaborando en la producción, promoción y desarrollo estratégico de distintas fechas en México.

La gira llegará a:

• 27 de agosto — Auditorio Benito Juárez
  • 🎟️ Venta de boletos en Don Boletón y Ticket Master
• 28 de agosto — The Hub by Arena Corner
• 29 de agosto — Teatro Isauro Martínez
• 4 de septiembre — Cineteca Alameda
• 10 de septiembre — C3 Stage

Para nosotros, formar parte de proyectos musicales con una identidad cultural tan auténtica representa una oportunidad para conectar entretenimiento, diseño y experiencias memorables alrededor de la música en vivo

Porque cuando identidad, música y diseño se alinean, el resultado no solo se comunica… se vive.

La Copa Mundial de la FIFA 2026™ no solo representa un acontecimiento deportivo histórico por ser el primero organizado por tres países —México, Estados Unidos y Canadá—, sino también un ejercicio profundamente interesante desde el diseño: una construcción visual que articula identidad, cultura y significado compartido.

Por primera vez, el póster oficial no responde a una sola mirada creativa, sino a la colaboración de tres artistas: Minerva GM, Carson Ting y Hank Willis Thomas. Esta decisión no es casual; es una declaración conceptual. El diseño deja de ser autoral para convertirse en un discurso colectivo.

Glocalización: cuando lo global se construye desde lo local

Uno de los aspectos más relevantes del póster oficial de la Copa Mundial FIFA 2026™ es su lectura desde la glocalización, entendida como la construcción de lo global a partir de lo local.

En lugar de homogenizar identidades, la propuesta las integra. Cada país no se diluye en una narrativa común, sino que proyecta su propia esencia dentro de un sistema visual compartido.

México aporta una carga simbólica rica en tradición y narrativa cultural; Estados Unidos introduce una visión contemporánea, conceptual y mediática; mientras que Canadá equilibra la composición desde la síntesis gráfica y la claridad visual.

El resultado no es una mezcla uniforme, sino una coexistencia visual donde cada lenguaje mantiene su identidad, pero dialoga con los demás.

Tres miradas, una sola narrativa

Esta lógica de integración se materializa en una decisión sin precedentes: por primera vez, el póster oficial de una Copa Mundial es resultado de la colaboración entre tres artistas de distintos contextos culturales.

Más que una suma de estilos, la obra funciona como un discurso colectivo, donde cada autor aporta una perspectiva que amplía el significado de la pieza.

Minerva GM (México)
Su trabajo destaca por una fuerte carga simbólica y narrativa. Integra elementos de la cultura popular, la tradición y el color como vehículo de identidad, construyendo imágenes que conectan con la memoria y lo emocional. Su aportación al póster refuerza la dimensión cultural y sensorial de la propuesta.

Carson Ting (Canadá)
Con una trayectoria sólida en diseño y dirección de arte, su lenguaje visual se caracteriza por la síntesis, la claridad y una estética contemporánea. Su enfoque aporta estructura y equilibrio, facilitando la lectura visual dentro de una composición compleja.

Hank Willis Thomas (Estados Unidos)
Desde el arte conceptual, su obra aborda temas como identidad, medios y cultura. Su participación introduce una capa crítica que trasciende lo estético, conectando la imagen con discursos sociales y culturales más amplios.

Identidad distribuida: de un póster a múltiples narrativas

La propuesta visual de FIFA 2026 rompe con la idea tradicional de una identidad única y centralizada, apostando por una identidad distribuida, donde cada ciudad sede interpreta el Mundial desde su propio contexto cultural.

Este enfoque no fragmenta la marca, la enriquece. Demuestra que una identidad global puede coexistir con múltiples narrativas locales, siempre que exista un sistema conceptual sólido que las articule. En este sentido, el diseño se posiciona como un lenguaje universal: no solo comunica un evento, sino que construye una experiencia simbólica donde distintas culturas dialogan sin perder su voz.

El uso del color refuerza esta lógica al funcionar como un sistema semiótico:
🔴 rojo, 🔵 azul y 🟢 verde no solo representan a Canadá, Estados Unidos y México, sino que evocan emociones, valores y percepciones culturales específicas. Así, el diseño no solo se ve, se interpreta.

En un contexto global donde las marcas buscan conectar con audiencias diversas, este proyecto se vuelve referente al lograr integrar sin borrar, representar sin simplificar y comunicar sin imponer.

Porque cuando el diseño se construye desde lo colectivo, deja de ser una pieza aislada…
y se convierte en una narrativa compartida.

Una narrativa que no solo suma perspectivas, sino que las articula, las pone en diálogo y las transforma en un sistema de significado más amplio. En este proceso, el diseño deja de imponer una sola visión para abrir espacio a múltiples interpretaciones, enriqueciendo la experiencia y fortaleciendo la conexión con audiencias diversas.

Articular narrativas compartidas implica entender que diseñar no es únicamente resolver problemas visuales, sino construir puentes entre culturas, contextos y formas de percibir el mundo. Es reconocer que el valor del diseño también está en su capacidad de integrar, representar y dar sentido.

Desde y para el diseño, este enfoque nos invita a replantear nuestro rol: ya no como autores únicos, sino como mediadores de experiencias colectivas. Porque en un mundo interconectado, las ideas más potentes no son las que se imponen, sino las que logran ser compartidas, interpretadas y apropiadas por otros. Y es ahí donde el diseño alcanza su mayor relevancia: cuando deja de ser individual… y se convierte en un lenguaje común.

Crédito de imágenes:
https://store.fifa.com/es-us/world-cup/2026-world-cup/posters

No nos interesa hablar de Frankenstein de Guillermo del Toro como “críticos de cine”. No nos toca. Pero sí nos interesa mirarla desde donde habitamos: la semiótica, el diseño, la narrativa y ese gusto casi obsesivo por ver cómo un texto está hecho de otros textos.

En Frankenstein y el cirujano plástico. Una guía multimedia de semiótica de la publicidad (Rodríguez & Mora, 2002), se dice que Frankenstein es una de las metáforas más potentes del arte del bricolaje: un cuerpo armado con pedazos ajenos, cosido con restos de otros cuerpos, animado por una chispa nueva. Así funciona también la publicidad —y, en realidad, casi todo el audiovisual contemporáneo—: mezcla códigos, géneros, estilos y referencias de la cultura hasta formar algo que, si bien está hecho de citas, respira con vida propia.

Guillermo del Toro hace exactamente eso con su Frankenstein: levanta, una vez más, al monstruo del laboratorio, pero esta vez lo arma no solo con órganos y tornillos, sino con capas de cine, literatura, pintura, teología, ciencia y memoria cinéfila. Es un Frankenstein hecho de otros Frankensteins.

Roland Barthes decía que todo texto es un intertexto, “un tejido nuevo de citas anteriores”. Del Toro parece partir justamente de ahí: su criatura no está hecha solo de Mary Shelley, sino también de la tradición gótica, del cine clásico de monstruos, de la Serie B, del cómic, de la cultura pop e incluso de nuestra sensibilidad contemporánea ante la ciencia y la ética. Vemos al monstruo, pero también vemos a todos los monstruos que lo preceden.

Eco, Barthes, Kristeva, Bajtín… todos coinciden en algo: ningún texto nace solo. Y Del Toro lo sabe. Por eso su Frankenstein no pretende ser “definitivo”, sino dialógico: conversa con versiones anteriores, las honra, las desmonta, las cita, las contradice. Es bricolaje en el sentido más puro: recolección, montaje y re-significación.

Desde el diseño y la narrativa visual, esto se nota en decisiones muy concretas:

• El tratamiento de la luz y el color, que evoca el cine clásico pero con una sensibilidad contemporánea.

• La dirección de arte, que parece un archivo vivo de referencias góticas, médicas, religiosas y científicas.

• La forma en que la cámara acompaña al monstruo no como “otro absoluto”, sino como un sujeto que mira y es mirado, casi como si el espectador fuera también parte del experimento.

Y mientras todo esto sucede en el plano estético, hay una discusión de fondo que Del Toro no suelta: ¿qué nos hace humanos? ¿Qué hace humano a un cuerpo hecho de retazos? Esa pregunta, que ya estaba en Shelley, se reactiva hoy en un contexto donde hablamos de algoritmos, modelos generativos y “creatividad” artificial.

Ahí entra otra capa de este texto: la postura de Del Toro frente a la inteligencia artificial. Él lo ha dicho con una claridad brutal:

“Mi preocupación no es la inteligencia artificial, sino la estupidez natural.”

y también:

“El arte no sólo es necesario, es urgente. Y que se vaya a la mierda la IA.”

Lo que está defendiendo no es un romanticismo ingenuo del “artista genio”, sino algo mucho más concreto: el arte como espacio de experiencia humana irreductible, donde el error, la emoción, el tiempo, el gesto y el cuerpo importan. Para Del Toro, la IA puede ser herramienta, sí, pero no puede reemplazar la ética, la mirada ni la sensibilidad que implica crear algo que hable de lo monstruoso y lo frágil en nosotros.

En sus películas, los efectos digitales aparecen cuando no hay otra opción física, no como atajo creativo. Y eso dialoga perfecto con la metáfora de Frankenstein: no se trata de generar un cuerpo “perfecto”, sino de asumir la monstruosidad como espejo de lo humano. La IA, en cambio, tiende a pulir, a promediar, a homogeneizar; Del Toro insiste en lo contrario: en la cicatriz, en la costura visible, en el parche que revela que ahí hubo un corte.

No somos expertos en cine —y no tenemos por qué serlo—, pero sí tenemos una sensibilidad entrenada en la semiótica, el diseño y las narrativas multimedia. Y desde ahí, es imposible no admirar una obra que, como ésta, se comporta como intertexto vivo: cita, mezcla, digiere y devuelve un monstruo nuevo, hecho de todos los monstruos anteriores… y también de nosotros.

Tal vez por eso Frankenstein sigue siendo una figura tan poderosa: porque nos recuerda que toda obra es, en el fondo, un cuerpo armado de retazos ajenos. Y que lo verdaderamente humano no está en la pureza del origen, sino en la forma en que damos vida a lo que recombinamos: con criterio, con responsabilidad, con amor y, sí, con la conciencia de que el arte sigue siendo urgente, incluso —o sobre todo— en tiempos de apps que prometen “crear” por nosotros.

Desde junio de 2025, la accesibilidad dejó de ser un “nice to have” en Europa para convertirse en una obligación real. Si tu producto digital llega a usuarios de la Unión Europea —aunque tu empresa esté fuera—, necesitas que tu web o tu app puedan usarse por todas las personas. La forma práctica de lograrlo no requiere memorizar leyes: basta con orientar el trabajo a WCAG 2.2 nivel AA, el “lenguaje común” entre equipos de diseño, contenido y desarrollo.

Pero espera, ¿qué es WCAG 2.2 nivel AA? Es el estándar práctico que la mayoría de sitios y apps usan para asegurar accesibilidad.

WCAG = Web Content Accessibility Guidelines: pautas del W3C que explican cómo hacer contenidos digitales utilizables por todas las personas (incluidas personas con discapacidad).
2.2 = versión más reciente de la serie “2.x”, que añade criterios frente a 2.1 (p. ej., tamaño mínimo de objetivos táctiles, foco visible no oculto, autenticación accesible, evitar pedir datos redundantes, ayuda consistente).
Nivel AA = nivel de conformidad recomendado (intermedio):

• A: lo mínimo indispensable.
• AA: equilibrio entre exigencia y viabilidad (lo que piden gobiernos y muchas empresas).
• AAA: el más estricto; no siempre aplicable.

En términos simples, debes considerar: legibilidad y contraste adecuados; navegación con teclado y foco siempre visible; botones y enlaces cómodos de pulsar en móvil (tamaño/espaciado suficiente); formularios claros, con etiquetas y mensajes de error útiles (sin repetir datos); texto alternativo en imágenes informativas y subtítulos/transcripciones en audio/video; ayuda/soporte en un lugar consistente; y semántica correcta (roles/labels/encabezados) para lectores de pantalla.

¿Por qué importa? Mejora la experiencia para todos, reduce fricción cognitiva (y quejas), aumenta conversión y ayuda a cumplir requisitos de clientes y regulaciones (en la UE y cada vez más en licitaciones globales).

Básicamente, cuando hablamos de hacer accesible una interfaz, hablamos de algo concreto: que el texto se lea bien, que el contraste no canse la vista y que nadie tenga que pellizcar la pantalla para ampliar lo esencial; que el teclado baste para recorrer cada módulo y que el foco se vea siempre, sin perderse bajo barras fijas o modales; que los botones sean cómodos de pulsar en el teléfono; que los formularios expliquen con claridad qué piden, por qué lo piden y cómo corregir un error sin repetir información que el sistema ya conoce. Incluso el inicio de sesión cuenta: si la única forma de entrar exige recordar datos innecesarios, no es una buena puerta de entrada para nadie.

En México esto también importa, y no solo por seguir tendencias globales. Cualquier marca que quiera vender más necesita hablarle a más personas. Las hay con discapacidad permanente, pero también con limitaciones temporales: alguien con visión cansada después de un turno largo, alguien con una mano ocupada, alguien que aprende español como segunda lengua. Cuando simplificas el lenguaje, clarificas jerarquías y haces que un botón sea evidente al tacto, mejoras la experiencia de todos. Además, muchos clientes corporativos —maquiladoras, bancos, cadenas de retail— ya exigen el cumplimiento de WCAG en sus licitaciones. Estar listo no solo evita retrabajos: abre puertas.

La accesibilidad no es un obstáculo creativo ni una camisa de fuerza legal. Es una oportunidad para contar mejor lo que haces, llegar más lejos y dejar a tus usuarios con la sensación de que, por fin, alguien pensó en ellos. Si hoy das ese primer paso —por pequeño que sea— ya estarás más cerca de una experiencia justa, clara y eficiente para todos.

Las Pautas de Accesibilidad para el Contenido Web se organizan en cuatro principios que indican cómo debe ser el contenido:
Perceptible (información e interfaz que se pueden percibir); Operable (navegación y controles usables); Comprensible (contenido y funcionamiento claros y previsibles); y Robusto (compatible con navegadores y tecnologías de asistencia, con estructura semántica y ARIA bien aplicada).

Si quieres empezar hoy sin complicarte, descarga nuestro Checklist simple — WCAG 2.2: es editable y práctico para revisiones rápidas entre diseño, contenido y desarrollo; te guía por contraste, foco visible, objetivos táctiles, formularios y contenido alternativo.

AVEX Taller Creativo está para apoyarte: desde auditorías exprés hasta capacitación y ajuste de tu design system para que la accesibilidad sea parte natural de tu proceso.

Los cuatro principios (Perceptible, Operable, Comprensible y Robusto—POUR) son propuestos por el World Wide Web Consortium (W3C) a través de su Web Accessibility Initiative (WAI) en las Pautas de Accesibilidad para el Contenido Web (WCAG).

En la era de la conciencia ambiental, ser una marca verde ya no es opcional: es un diferenciador clave. Pero no todas las empresas lo hacen con transparencia. Ahí aparece el greenwashing, una práctica en la que las compañías exageran o inventan sus esfuerzos de sostenibilidad para ganar puntos con consumidores responsables.

Como creativos, estrategas y marcas, necesitamos reconocer estas señales y evitar caer en lo mismo. Para ejemplificarte, aquí te dejamos marcas con las que seguramente has interactuado:

McDonald’s (2009 en Europa): la empresa cambió su logotipo a verde para proyectar una imagen eco-friendly. Sin embargo, sus operaciones seguían dependiendo de prácticas agrícolas intensivas que cuestionaban esa supuesta transformación sostenible.

Volkswagen (septiembre de 2015, caso “Dieselgate”): la Agencia de Protección Ambiental (EPA) descubrió que la compañía había instalado software fraudulento en millones de vehículos para manipular las pruebas de emisiones y presentarlos como “limpios”.

Walmart y Kohl’s (2022, sanción de la Comisión Federal de Comercio de EE.UU.): ambas cadenas fueron multadas por vender ropa y productos de cama como fabricados con “bambú ecológico”, cuando en realidad eran rayón, producido con químicos tóxicos.

DWS (2021, investigación regulatoria en Alemania y EE.UU.): la gestora de Deutsche Bank fue acusada de exagerar el volumen de fondos ESG “verdes” bajo su administración, sin contar con mecanismos de control adecuados.

Saudi Aramco (2021 en adelante): promocionó programas de plantación de manglares como muestra de compromiso ambiental, mientras mantenía y expandía sus operaciones principales en combustibles fósiles.

Coca-Cola (2020–2023, varias campañas globales): lanzó iniciativas para reducir el uso de plásticos de un solo uso, pero fue criticada por no abordar la huella total de emisiones de su producción y distribución.

Apple (reportes críticos 2019–2022): analistas y ONGs señalaron que, aunque la empresa promovía compromisos de reciclaje y energías limpias, sus claims no siempre correspondían a toda la cadena de suministro.

Lufthansa (2022, campaña “Fly CO₂ Neutral”): la aerolínea fue cuestionada por promocionar opciones de compensación de emisiones que daban la impresión de vuelos “neutrales”, sin un impacto real equivalente en reducción de gases contaminantes.

Estos casos muestran que una campaña de comunicación no siempre refleja un impacto real.

El reto para creativos y marcas

En un entorno donde la industria convive con startups, comercios, restaurantes y proyectos culturales, la sustentabilidad auténtica representa una ventaja competitiva enorme. Sin embargo, también implica un reto: ¿cómo comunicar compromisos reales sin caer en falsas promesas?. Aquí es donde entra nuestro rol como creativos: traducir acciones concretas en narrativas claras, transparentes y con propósito.

Recomendaciones para evitar el greenwashing

La transparencia es un punto muy importante; habla de lo que haces y de lo que aún no logras. Reconocer áreas de mejora genera más confianza que maquillar cifras.

Hay que dar evidencias claras, un ejemplo pueden ser las certificaciones, métricas o testimonios que respalden tus claims. No basta con “somos verdes”, demuestra cómo.

Acciones integrales, no cosméticas, porque cambiar el color del logo a verde no es sostenibilidad. Piensa en impacto real: reducción de residuos, energía limpia, cadenas de suministro locales.

Evita frases vacías como “100% natural”, “amigable con el planeta” o “eco-friendly” no dicen nada si no tienen un respaldo tangible.

Sé honesto con los costos, porque la sostenibilidad real implica inversión. Explicar a los clientes por qué tu producto cuesta un poco más puede convertirse en parte de tu storytelling.

El greenwashing erosiona la confianza, pero la sustentabilidad honesta crea comunidades leales y marcas memorables. Desde la frontera, tenemos la oportunidad de inspirar con proyectos auténticos que no solo cuenten historias verdes, sino que generen impacto real.

Como creativos en AVEX, el reto no es hacer ver que las marcas son sostenibles, sino ayudarlas a serlo de verdad y comunicarlo con integridad.

¿Alguna vez abriste Google y te sorprendió ver que su logotipo cambió para celebrar un evento, personaje o fecha especial? Esos divertidos y creativos cambios se llaman Google Doodles, y hoy forman parte esencial de la experiencia de búsqueda.

¿Qué es un Google Doodle?

Los Doodles de Google son versiones especiales del famoso logotipo que conmemoran festividades, aniversarios, figuras históricas y culturales, o incluso sucesos locales de gran relevancia. Pueden presentarse en distintos formatos: ilustraciones estáticas, animaciones, videos, presentaciones y hasta juegos interactivos que han conquistado a millones de usuarios en todo el mundo.

Desde su creación hace más de 25 años, se han convertido en un símbolo de cómo la creatividad y la tecnología pueden unirse para contar historias y conectar culturas.

El primer Doodle: un simple aviso fuera de oficina

En 1998, los fundadores de Google, Larry Page y Sergey Brin, asistieron al festival Burning Man en Nevada. Como no estarían en la oficina, decidieron dejar un aviso muy peculiar: reemplazaron la segunda “O” de Google con el logo del festival. Sin saberlo, dieron origen al primer Google Doodle, incluso antes de que la empresa fuera oficialmente constituida.

De un experimento a un fenómeno cultural

A lo largo de los años, Google ha creado más de 5,000 Doodles que celebran momentos únicos. Algunos hitos memorables:

• 2000: Primer Doodle internacional para el Día de la Bastilla en Francia.

• 2000: Primer Doodle animado en Halloween, con calabazas y luces intermitentes.


• 2005: Nace el concurso “Doodle para Google”, donde estudiantes de todo el mundo pueden diseñar su propio Doodle.

• 2010: Llega el primer Doodle interactivo, dedicado a Pac-Man.

• 2011: Aparece el primer Doodle en video, un homenaje a Charlie Chaplin.


• 2012: Doodle multimedia para el Día de la Tierra, creado con imágenes en vivo desde el techo de Google.


• 2018: Primer Doodle en realidad virtual 360°, dedicado a Georges Méliès.


• 2019: Primer Doodle con inteligencia artificial, inspirado en la música de Johann Sebastian Bach.


• 2021: El Doodle multijugador más grande hasta la fecha, “Champion Island”, que conectó a usuarios de todo el mundo en un mismo universo de minijuegos.


Detrás de cada Doodle existe un equipo creativo formado por artistas, ingenieros, diseñadores, gestores y consultores culturales, conocidos como los “Doodlers”. Ellos trabajan junto a ilustradores invitados de distintas partes del mundo para asegurar que cada pieza refleje con autenticidad la cultura y la historia que celebra.

Los temas no se eligen al azar: cada año, un comité de Google revisa miles de propuestas enviadas tanto por empleados como por usuarios. Tras un proceso de investigación y consulta con expertos locales y culturales, se define una lista que dará vida a cientos de Doodles en todo el planeta. El tiempo de creación varía, algunos se producen en cuestión de horas, mientras que otros requieren meses o incluso años de desarrollo, sobre todo cuando se trata de experiencias animadas o interactivas.

Lo mejor es que cualquier persona puede enviar su idea para un futuro Doodle. Así, lo que empezó como un simple aviso fuera de oficina se ha convertido en una tradición digital global que celebra la creatividad, la historia y la diversidad cultural.

Un Doodle muy mexicano: Juan Gabriel

Entre las figuras homenajeadas, también está el icónico cantautor mexicano Juan Gabriel, quien escribió más de 1,500 canciones a lo largo de su carrera. Su video Doodle lo muestra actuando en un escenario acompañado de un mariachi, ilustrado por el artista invitado yucateco Beto Irigoyen. Una celebración que reconoce su enorme legado musical y lo comparte con millones de personas en todo el mundo.

Conoce más sobre este Doodle aquí: Celebrating Juan Gabriel

¿Cuál ha sido tu Doodle favorito?
Cuéntanos en los comentarios, comparte este artículo con tus amigos y suscríbete a nuestro blog para descubrir más historias de creatividad digital.

Fuente: doodles.google

Las marcas, como las personas, evolucionan. No basta con quedarse en la primera impresión: la identidad debe crecer, madurar y adaptarse al contexto. Hoy Grupo LALA se suma a la ola de marcas valientes que buscan mejorar la experiencia digital y conectar con nuevas generaciones, entendiendo que la imagen también caduca si no refleja la esencia actual.

El nuevo rebranding fue desarrollado por Conciergency, una agencia boutique con sede en Barcelona y presencia en París, reconocida por colaborar con marcas globales de prestigio como Evian y Danone. La propuesta introduce un logotipo en doble línea que refuerza la visibilidad y la presencia de la marca, manteniendo a la icónica mariposa como símbolo central.

Este rediseño apuesta por un lenguaje visual más moderno y emocional, diseñado para conectar con nuevas audiencias sin perder los valores que han acompañado a LALA por más de 75 años: la naturalidad, lo auténtico y el compromiso con la calidad.

El nombre Lala también cuenta una historia interesante: surgió como abreviatura popular de Leches La Laguna de Torreón, Coahuila. Los consumidores comenzaron a usarlo como un apodo fácil de recordar, hasta que terminó convirtiéndose en el nombre oficial de la marca. Una prueba de cómo la voz de los usuarios puede moldear la identidad de una empresa.

En el ámbito del diseño, vale la pena recordar que tendencias como el esqueumorfismo dominaron las primeras interfaces digitales al recrear objetos físicos en el entorno virtual para facilitar su comprensión (Don Norman, 2013). Con el tiempo, esta lógica fue desplazada por el flat design, más limpio y funcional, y hoy las marcas buscan diseños responsivos y experiencias digitales integrales que se adapten a múltiples formatos y pantallas. El rebranding de LALA responde a este contexto: una identidad visual flexible, pensada para un consumidor que vive en entornos digitales y exige claridad y consistencia en cada punto de contacto.

Este rebranding tampoco ocurre en aislamiento: se alinea con la estrategia de sustentabilidad y responsabilidad social de la compañía —reducción de empaques, transición energética, bienestar animal, nutrición infantil y más—, reafirmando que una identidad visual debe dialogar con la identidad corporativa completa.

La esencia de la marca sigue anclada en la leche como alimento esencial, el campo, la frescura y la cercanía. Pero ahora se proyecta con mayor fuerza, visibilidad y orgullo. Como lo resume su directora de marketing, Claudia Reyes: “Seguimos siendo LALA, pero más LALA que nunca”.

Entonces, la pregunta es inevitable: ¿Qué opinas de este rediseño de LALA? ¿Tu marca sigue representando quién eres realmente?

En AVEX Taller Creativo somos expertos en identidad corporativa. Te ayudamos a replantear, actualizar o reinventar la imagen de tu marca para que tu comunicación visual sea tan fuerte como tu visión de negocio.